这位眼神呆滞，表情木讷，手持大丽花的小女孩被称为“世界上最贵的精神病人”，她就是“波点艺术家”草间弥生，从小她就留着这样的齐耳短发，几十年里，一直未变，她十岁左右精神就出现了问题，经常出现幻觉，在幻觉的世界里，她不停地画画，最终找到了一生为之追求的艺术。 麻烦看官老爷们右上角点击一下“关注”，既方便您进行讨论和分享，又能给您带来不一样的参与感，感谢您的支持！ 在一个镜面和灯光交错的空间里，游客站在草间弥生的“无尽镜屋”中，仿佛置身宇宙边界，四周是无数反射的自己和密密麻麻的圆点，像细胞、像星星、像梦境，没有人能准确说出自己看到了什么，却都有种被包围、被吞没、又被抚慰的感觉，这是草间弥生的世界，一个用圆点与幻觉交谈、用艺术与混乱对峙的世界。 她出生于日本长野县松本市的一个家庭，外表看似富足安稳，但精神上的缺失从她很小的时候便开始侵蚀她的内心，父母的关系并不和谐，孩子被迫卷入大人的世界，母亲要求她监视父亲的行踪，这种对家庭角色的强行扭曲在她心里留下了极深的裂痕，那种不属于儿童的任务感和情绪纠缠，使她逐渐封闭，也让她更早对人性有了复杂的认知。 大约十岁时，她开始经历一些非现实的视觉感受，她看到的世界不再是别人眼中的样子，花朵在空中漂浮，桌布上的图案突然活跃起来向她扑来，墙壁变成了波动的液体，充满了无数涌动的点和线，这些幻象并没有随着时间而减弱，反而愈发频繁，有时候她几乎无法分清现实和幻觉的边界，绘画成了她唯一的出口，她用纸笔记录这些不断侵入她感官的图像，一点一线，一层一层，像是在用画笔构建一个属于她自己的秩序世界。 家里的环境并不支持她这条路，母亲觉得绘画既浪费时间又有损家族体面，常常粗暴地撕毁她的画作、限制她的创作，然而越是被压制，她越坚定地继续画下去，绘画对她来说，不是兴趣或者爱好，而是一种生存方式，她在传统的日本画教育中感到压抑，内心始终渴望冲破束缚，寻找更自由的表达方式。 命运的转折点出现在她读到一本旧书，书中是美国女艺术家乔治亚·欧姬芙的作品，这带给她极大震撼，她第一次看到女性也可以如此大胆、独立地表达内心世界，她鼓起勇气给对方寄了一封信，没想到真的收到了回信，这封信成了她决定离开日本的重要推力。 1957年，她带着母亲临走前冷漠甩来的那笔钱，独自前往纽约，初到美国时，她几乎一无所有，语言不通，经济拮据，作品也没人愿意理会，她靠微薄的钱维持生活，甚至要从垃圾桶里捡食物，在这样的环境下，她并没有放弃创作，她持续重复地在画布上绘制那些她幻觉中看到的网格图案和圆点，一笔一笔，密集、细致，像在试图用视觉语言堵住内心的噪音。 她的画布开始变得巨大，图案也更加密集，她的代表作《无限的网》系列，便是在这种状态下诞生，每一幅都像是对内心世界的扫描，把无形的恐惧、焦虑、执念具象化成密集的图案，也正是这种前所未见的表现方式，引起了纽约艺术圈的注意，她并没有刻意迎合当时的潮流，而是以一种独特的方式把精神状态转化为艺术语言，这种真实性打动了不少人。 她并不满足于在画布上的表达，很快便开始尝试行为艺术和空间装置，她曾在街头举办裸体彩绘行动，甚至在未受邀请的情况下，在威尼斯双年展的场地中央布置了1500个镜面球，让观众看到自己无数个影像，这种挑战传统展览规则的行为，让她在艺术圈名声大噪，也引来不少争议。 她的艺术从来不只是一种风格，更像是一种哲学，圆点是她最常使用的图形，但对她而言，圆点不是装饰，而是一种存在方式，它既像宇宙的微粒，也像生命的起点，每一个点都是一个独立的个体，又与其他点彼此连接，构成整体，她用这种方式解释自己对世界的理解，也在不断重复中建立一种秩序感，抵抗混乱。 她称自己的艺术为“心理的具象化”，即将内心的精神状态转译为可视的形态，她并不回避自己的病症，甚至可以说，她的创作正是建立在与病症共处的基础上，她用重复来对抗焦虑，用密集来遮蔽恐惧，用色彩来对抗幻觉，她的每一件作品，都是她与病魔博弈的结果。 1970年代，她因为长期的精神困扰，选择返回日本，主动入住一家精神疗养院，在很多人看来，这似乎是她艺术生涯的终点，但对她来说，这却是一个新的开始，她在医院对面租下一间工作室，每天从病房步行前往创作，晚上再返回，这种规律的生活反而成了她最稳定的节奏，也让她持续几十年不断产出。 信息来源：百度百科——草间弥生
